Ранен италиански език
- Учело, Свети Георги и дракон, около 1450 г., Флоренция
Историята на тази картина е християнска легенда за дракон, който е откраднал принцеса. Принцесата омагьосала дракона и го вързала с колана си, но не могла да избяга. Благородният Георги й се притекъл на помощ и убил дракона. В Националната галерия има много картини на свети Георги, защото той е покровител на Англия. Учело се е опитал да покаже перспективата на пейзажа, като е подредил светли и тъмни зони на земята. Диагоналните линии са важни в тази картина. Линията, направена от крилото и крака на дракона, върви в същата посока като копието на Джордж, докато тялото и опашката вървят в обратна посока.
- Пиеро дела Франческа, Кръщението на Христос, ок. 1450 г., Умбрия
- Мантеня, "Агония в градината", 1460 г., Мантуа
- Полауоло, Мъченичеството на Свети Себастиан, 1475 г., Флоренция
Историята на тази картина идва от римската митология. Марс, богът на войната, прави любов с Венера, богинята на любовта. Той е толкова уморен, че не знае, че малки фавни си играят с оръжията му. Но един от тях е на път да изстреля силно в ухото му голям снаряд. Посланието на тази картина е, че Любовта може да победи войната. Дизайнът е базиран на голямото W., което прави картината симетрична. Ботичели прави тази картина за спалнята на Джулиано де'Медичи, богат благородник от Флоренция. Той рисува Марс, за да прилича на Джулиано, и Венера, за да прилича на приятелката му, но Джулиано не е имал много време да се наслади на картините си, тъй като е убит само малко по-късно.
Ранна северноевропейска живопис
- Неизвестен художник, Диптихът от Уилтън, около 1395 г., Англия или Франция
Диптихът от Уилтън е една от най-ценните картини в Националната галерия, тъй като повечето малки произведения на изкуството от Средновековието в Англия са били унищожени. На тази картина английският крал Ричард II е представен на Дева Мария от тримата си светци покровители. Тя е нарисувана с темпера; цветовете са смесени с яйце. Думата "диптих" означава, че тя е от две части и може да се затвори като книга. Фонът е покрит с тънко побито златно листо. Синьото е изработено от смлян полускъпоценен камък - лазурит. Възможно е да е била нарисувана като сватбен подарък за краля, докато е бил във Франция.
- Ян ван Ейк, Сватбата в Арнолфини, 1434 г., Белгия
- Ханс Мемлинг, Богородица с младенеца със светци и дарители, 1477 г., Брюж
- Роже ван дер Вейден, Пиета, ок. 1460 г., Брюксел
- Йеронимус Бош, "Подигравката с Христос", ок. 1480 г., Bois-le-Duc
- Албрехт Дюрер, "Бащата на художника", 1497 г., Нюрнберг
Тази картина е олтарна композиция за църква. Тя изобразява Дева Мария, седнала като кралица на трон с детето Исус. Той е почитан от три жени-светици и от човека, който е платил на художника да направи картината за църквата. Той е наречен "дарител". Всичко на картината е нарисувано с големи подробности - дрехите, плочките, бижутата, сградите и цветята. Много от нещата в картината са символи. Малкото куче е символ на верността. Лилиите са символ на чистотата на Дева Мария. Картината не показва част от история или момент от времето. Картината е нарисувана, за да помогне на зрителя да успокои ума си за молитва.
- Лукас Кранах, Купидон, ужилен от пчела, 1522 г., Ваймер
- Ханс Холбайн, "Посланиците", 1533 г., роден в Аугсбург, починал в Лондон. Вижте по-долу.
- Питер Брьогел Старши, Поклонението на кралете, 1564 г., Брюксел
Италия през 1500 г.
- Леонардо да Винчи, "Девата от скалите", ок. 1506 г., Милано. Вижте по-долу.
- Микеланджело, Погребението на Христос, около 1506 г., Рим. Вижте по-долу.
- Рафаел, Мадоната от Ансидей, ок.1505 г,
- Джорджоне, Поклонението на царете, 1507 г., Венеция
Тази картина е от гръцката митология. Принцеса Ариадна е претърпяла корабокрушение на Наксос, острова на Бакхус. Бакхус вижда Ариадна и се влюбва от пръв поглед. Тициан го показва как скача от колесницата си, теглена от гепарди, а Ариадна се обръща, за да избяга. Но Ариадна е погледнала в очите на Бакхус и също се е влюбила. В небето е короната от звезди, която Бакхус ѝ подарява на сватбата им. В много от фигурите Тициан е нарисувал спираловидно движение. То може да се види в червения шал на Ариадна. Въпреки че тази картина е посветена на митологията, фигурите са много реалистични.
- Лоренцо Лото, Дама като Лукреция, 1530 г., Венеция
Този портрет изобразява жена в богата на цветове кадифена рокля, която държи рисунка на Лукреция - знатна жена от Древен Рим, която се самоубива, като се пробожда с нож, след като е била изнасилена. Възможно е картината да е била нарисувана за семейство, което е искало дъщеря му да се омъжи добре. Символиката на картината показва, че младата жена е богата, и второ, че е сексуално чиста. Тези две неща са били важни за сключването на добър брак. Тото е използвал контраст на цветовете в оранжевата и зелената рокля, за да постигне богат ефект. Той също така е използвал необичайно контраста на тоновете. Много светли области като лицето, гърдите и ръката ѝ контролират центъра на картината. Още три много светли зони са разположени в дясната страна - рисунката, ръката и бележката. Това разположение е асиметрично
- Бронзино, Алегория, около 1550 г., Флоренция. Вижте по-долу.
- Тинторето, "Свети Георги и драконът", 60-те години на XV в., Венеция
Италия, Франция и Испания през 1600 г.
Тази картина е базирана на история от Библията. Двама от последователите на Исус вървят по пътя към Емаус и говорят тъжно за смъртта на Исус. Един човек идва и върви с тях, но отначало те не го познават. Същата вечер, когато вечеряли в една гостилница, те изведнъж разбрали, че това е Исус, който е възкръснал от мъртвите и сега е жив. Караваджо е показал този момент във времето като на снимка. Светлината, движението и детайлите правят снимката толкова реална. Караваджо е нарисувал светлината, която идва от едната страна, сякаш има голяма лампа. Главата на кръчмаря създава сянка зад Исус, която е като ореол. Картината е уловила една-единствена секунда, когато Исус е вдигнал ръка, единият мъж започва да се изправя, а другият размахва ръце. Само кръчмарят е неподвижен. Изгледът на ръката на Исус, ръцете на мъжа и лакътя на другия мъж са пресечени. Детайлите показват обикновени хора с обикновени дрехи, които са стари и скъсани. Има и натюрморт на кошницата в края на масата. Осветлението и реализмът на Караваджо са копирани от много други художници, включително Рембранд и Веласкес.
- Ел Греко, Христос изгонва търговците от храма, ок. 1600 г., Толедо
- Annibale Carracci, Quo vadis? , 1602 г., Рим
- Клод Льорен, Отпътуване на Савската царица, 1648 г., Франция и Рим
Този въображаем пейзаж се основава на история от Библията. В тази сцена Савската царица тръгва на пътешествие от Африка към Палестина, за да се срещне с цар Соломон. Но това, което художникът наистина е искал да покаже, е мъгливата утринна светлина на изгрева над морето. Той е нарисувал и три различни вида сгради. Вляво е древна развалина като тези, които художникът е видял в Рим. На заден план са изобразени замък и кула от Средновековието. Вляво кралицата излиза от грандиозен дворец в новия стил на Ренесанса. Нищо в тази картина няма нищо общо с Африка или Палестина. Става дума за Рим. Показвайки Савската царица, Пусен иска да каже, че град Рим с цялата си история от 2000 години е като най-красивата и интелигентна царица, живяла някога. Този вид картини се наричат "алегории".
Тази картина представлява сцена от римската митология. Жените са нимфи, духове на гората. Някои от мъжете са сатири и имат кози рога и копита. Те живеят на Наксос, острова на Бакхус, и прекарват много време в пиянство, танци и любов. В това диво парти дори бебетата пият вино. Една от нимфите се кани да разбие кана с вино върху главата на сатир, който се опитва да целуне приятеля ѝ. Пусен е използвал големи площи с ярки цветове. На пръв поглед картината изглежда като бъркотия от тела, но всичко е много внимателно подредено, за да придаде танцувален ефект на цялата картина. Една голяма триъгълна форма съдържа всички фигури. Извън триъгълника вдясно се намира статуята на Пан. От лявата страна е изобразен красив пейзаж.
- Диего Веласкес, "Венера от Рокеби", 1649 г., Мадрид.
Тази картина е взета от римската митология. На нея Венера, богинята на любовта и красотата, се оглежда в огледало, държано от сина ѝ Купидон. Веласкес прекарва по-голямата част от времето си в рисуване на портрети за испанското кралско семейство и техните роднини. Той е един от най-известните портретисти на всички времена. Но тази картина вероятно е правена за самия него и когато я прави, той се излага на опасност от сериозно наказание. В Испания, въпреки че управлявал кралят, църквата имала контрол. Те наблюдавали всичко, което всеки правел, и накарали много голям брой хора да бъдат умъртвени. В Испания рисуването на голи картини като тази е било против закона. Веласкес е бил много внимателен да покаже само гърба ѝ. Изображението на лицето не е много ясно. Старите огледала не са били толкова ясни, колкото съвременните. Може би Веласкес е искал да прикрие лицето на жената, за да я предпази. Подредбата и оцветяването на тази картина са много прости. Грациозните линии на тялото се повтарят в сивите и белите покривки на леглото. Червената завеса е под същия ъгъл като главата ѝ и е в топъл цвят, както и розовата ѝ плът.
- Мурильо, "Двете Троици", 1681 г., Севиля
Холандия и Фландрия през 1600 г.
- Герит фон Хонторст, Христос пред първосвещеника, 1617 г., Утрехт
- Рембранд, "Пирът на Валтасар", 1630-те години, Лайден
Рембранд е най-известен като художник на портрети, по-специално с многобройните автопортрети, които отразяват живота му от времето, когато е бил тийнейджър, до старостта му. Той рисува и много сцени от Библията като тази. Бащата на принц Валтасар е отвел еврейския народ във Вавилон като роби. Валтасар организирал празненство и изпратил слуги да донесат златните чаши, които били откраднати от храма в Йерусалим. Изведнъж се появила странна ръка, която написала съобщение на стената. Никой не знаел какво означава то, затова Валтасар попитал Даниил, който бил еврейски пророк. Даниил казал: "Ти си претеглен и измерен от Бога. Ти не отговаряш на Божиите правила. Дните ти са преброени!" Тази картина показва колко много са научили холандските художници от Караваджо. Тази картина може да се сравни с "Вечерята в Емаус". Това е още една сцена, изпълнена с драматизъм. Рембранд е поставил две от фигурите под необичаен ъгъл. Тялото на Валтасар е обърнато към зрителя, но главата му е завъртяна, за да види какво се случва зад него. Когато скача от стола си, той удря златната чаша, която държи една от съпругите му. Тя също е под странен ъгъл, защото зрителят гледа надолу към главата и раменете ѝ. Рембранд е направил контраст между богатата текстура на одеждите му и неговото сбръчкано лице и дебел корем.
- Антъни ван Дайк, Чарлз I Английски на кон, 1631 г., Лондон. Вижте по-долу.
- Петер Паул Рубенс, Парижкият съд, 1632 г., Антверпен
Рубенс е толкова популярен художник, че става богат и известен. Той рисува портрети и много сцени от Библията и митологията. Сюжетът на тази картина е от гръцката и римската митология. Парис е принц, който е отгледан от пастир. Той получил златна ябълка и бил помолен да съди конкурс за красота между три богини: Юнона, богинята на семейството, Минерва, богинята на войната, и Венера, богинята на любовта. Всяка от тях предлагала награда: богатство, успех в битката и най-красивата жена на света за негова съпруга. Парис избрал последната и дал ябълката на Венера. Това разгневило двама много влиятелни хора. И това, което той не осъзнавал, било, че най-красивата жена на света, Елена отТроя, вече била омъжена. Рубенс е нарисувал картина, която да украси стената в дома на богат покровител. Картината има много детайли, които помагат да се разкаже историята. Сред тях са малкият Купидон, едно овчарско куче, паунът на Юнона, страшният щит на Минерва и овцете, пасящи в красивия пейзаж. Но най-важните неща в картината са трите красиви голи тела. Именно това е направило картините на Рубен толкова популярни.
- Франц Халс, Семейна група, 40-те години на ХХ век, Антверпен
- Питер дер Хуг, Двор в Делфт, 1658 г., Делфт. Вижте по-долу.
- Йоханес Вермеер, "Млада жена при девойките", ок. 1670 г., Делфт. Вижте по-долу.
- Meyndert Hobbema, The Avenue, 1689, Middelharnis
Пейзажната живопис става много популярна в Холандия през 1600 г. В тази картина перспективата е много важна. В една много плоска страна може да е трудно да се прецени колко далеч са нещата. Хобема е използвал този прав път с две редици високи дървета, за да създаде усещането колко далеч е градът. На пръв поглед тази картина изглежда доста симетрична. Но Хобема е добавил много разлики, за да направи картината по-интересна, като е балансирал фермата от едната страна с църквата от другата и е направил двата реда дървета доста различни.
1700-те години
- Вато, Влюбените, около 1720 г., Франция
- Джамбатиста Питони , Жертвоприношението на Поликсена, 1740 г., Венеция
- Каналето, Басейнът на "Свети Марко" на Възнесение Господне, около 1740 г., Венеция
- Шарден, "Малкият учител", около 1740 г., Париж. Вижте по-долу.
- Уилям Хогарт, "Marriage a la Mode" ("История в шест картини"), 1743 г., Лондон
- Джордж Стъбс, Семейство във файтон, около 1750 г., Англия
През 1700 г. пейзажните картини са популярни в Англия, но те са нещо повече от картини на красивата природа, нарисувани като украса на стаята. Повечето пейзажни картини са били и документи за семейството и земята, която то е притежавало. Те са били знак за богатството и статуса на семейството. На тази картина земевладелците показват своя частен парк с разнообразни дървета. Те показват също така великолепните си коне и елегантната си карета, наречена "фаетон". Заедно тази карета и конете са еквивалентът на много скъп автомобил от XVIII век. Стъбс е най-известен с рисуването на коне. Той е бил майстор в композирането на красиви картини. Тук той е създал баланс между голямата модна шапка на дамата, поставена на фона на тъмното дърво, и черните коне на фона на бледото небе.
- Тиеполо, "Алегория на любовта и времето", 1754 г., Италия
- Джошуа Рейнолдс, Сър Банастър Тарлтън, 1782 г., Лондон
- Томас Гейнсбъро, "Сутрешна разходка", 1786 г., Лондон
- Гоя, Херцогът на Уелингтън, 1812 г., Испания и Франция
От 1800 г. нататък
Това е тъжна картина. Пълното ѝ име е "Бойният Темерер", изтеглен до последното си място за акостиране, за да бъде разглобен за скрап. Това е последното пътуване на един от великите бойни кораби, който се е сражавал за Англия срещу френския флот в битката при Трафалгар. Високата му елегантна форма контрастира с мръсния черен влекач с димяща фуния, който го отвлича. Търнър, който е бил експерт в рисуването на морето, небето и времето, е поставил луната в небето близо до ветрохода. Луната е в последната си фаза. От другата страна на картината слънцето изгрява с червено сияние като огън върху водата. Намаляващата луна е символ на отминаването на епохата на големите ветроходни кораби. Пламтящото слънце върху водата е символ на новата ера на парната машина.
- Констабъл, Сенокосът, 1821 г., Съфолк
- Ингрес, Мадам Моатие, 1856 г., Париж
- Курбе, "Жени на брега на Сена", 1857 г., Франция
- Анри Фантин-Латур, Ябълки в чиния, 1861 г., Франция
Тази картина е натюрморт. През Ренесанса дърворезбите на натюрморти често са били част от дървената украса на важни стаи в двореца. През 1600 и 1700 г. картините с натюрморти също се разпространяват и най-често се виждат в трапезарията, където плодовете, цветята и убитите за месо животни са модна украса. През XIX в. много художници като Фантин-Латур рисуват малки натюрморти като този, за да упражняват уменията си да аранжират картина, да изучават светлината и текстурата. Много художници рисували натюрморти и защото били твърде бедни, за да платят за модел на художник, или пък времето било твърде лошо, за да рисуват пейзажи. Фантин-Латур е направил голям брой малки картини като тази. Той е подредил четири ябълки с различни цветове и форми и е направил проучване на начина, по който светлината се отразява на извитите им повърхности.
Сеура е приятел на френските художници импресионисти. Той е имал теория, че всички цветове се състоят от много цветове, които се подреждат при преминаването на светлината в окото. Той експериментира с цветовете, като рисува на малки точки. Неговият стил на рисуване се нарича поантилизъм. Изработката на тази голяма картина отнема много време. Въпреки че е сцена на открито с много фигури, тя е много спокойна, сякаш времето е спряло. Когато картината се разгледа отблизо, се вижда, че дори частите, които изглеждат бели или черни, са съставени от стотици малки цветни точки.
- ЕдгарДега, Разресване на косата, около 1885 г., Париж
- Сезан, Планини в Прованс, 1890 г., Прованс
- Винсент ван Гог, Пейзаж с кипарисов бор, около 1890 г., Франция
Винсент ван Гог има труден и неспокоен живот. Той е роден в Холандия, но започва да рисува във Франция. Имал много малко приятели и трудно продавал картините си. За щастие имал подкрепата на брат си Тео и на един лекар, за когото рисувал картини. Този пейзаж е добър пример за неговия стил. В картината всичко изглежда като че ли има свой собствен живот. Облаците са като огромни зверове, които се търкалят по небето, вълнуващото се жито се протяга като ръце, планините гърмят, а кипарисовият бор изглежда доста опасен. Винсент използва всеки ход на четката, за да създаде това пламенно движение. Друго важно нещо в тази картина е контрастът. Цветовете се сменят от топъл червеникаво-оранжев до ледено-син. Голямото тъмно дърво вдясно е в тонален контраст с белите облаци. Вертикалната посока на дървото е в контраст с хоризонталната посока на пейзажа. През 1890 г. Винсент се самоубива, след като е нарисувал стотици картини само за пет години.
- Анри Тулуз-Лотрек, "Жена в градината", 1891 г., Франция
- Дуание Русо, Тигър, уплашен от буря, 1891 г., Париж
- Густав Климт, Портрет на Хермина Галия, 1904 г., Виена
.jpg)
.jpg)
