Лондонска национална галерия

История

През 1823 г. колекционер на име сър Джордж Бомонт предлага да предостави известната си колекция от картини на британското правителство, за да създаде обществена художествена галерия. През 1824 г. друга известна колекция от картини е обявена за продажба. Собственикът ѝ, Джон Джулиъс Ангерщайн, е починал. Изглеждаше, че картините му ще бъдат продадени извън Англия. След това има още едно предложение за картини от трети колекционер, преподобния Холуел Кар. Парламентът трябваше да вземе бързо решение.

Парламентът гласува да се създаде национална колекция и да се построи галерия. Те дават 60 000 лири стерлинги за закупуване на картините на Анжерщайн. Те получили 38 картини и успели да ги изложат публично в къщата на Анжерщайн.

Колекцията бързо се разраства, като картините на Бомонт и Холуел Кар, както и други, са закупени или подарени. Беше необходима нова галерия. През 1831 г. са приети плановете на архитекта Уилям Уилкинс. Избрано е мястото, което гледа към площад Трафалгар, старите сгради са разрушени и на 9 април 1838 г. е открита великолепната нова галерия.

Когато Националната галерия е открита, съществува категорично мнение, че картините от периода на Високия ренесанс от края на 1400 г. до барока от 1600 г. са най-хубавият вид изкуство. Думата "примитивен" се е използвала за описание на италианските картини от 1300 г. и началото на 1400 г. За щастие директорът на галерията сър Чарлз Истлейк смятал, че е важно да се съберат някои от тези примитивни картини, както и по-популярните картини от Високия ренесанс. Така Националната галерия става собственик на толкова много и много редки произведения от периода на Късното средновековие и Ранния ренесанс.

През 70-те години на XIX в. галерията има щастието да получи две колекции от картини на известни холандски художници. Сградата трябва да се разшири, за да ги побере. Галерията получава и картини на известни британски художници; скоро те са толкова много, че повечето от тях са преместени в нова галерия, наречена Тейт.

През 20-ти век става все по-трудно да се купуват много важни картини; има и други галерии в САЩ и Германия, които се опитват да купят същите картини. Затова Националната галерия започва да купува творби на по-модерни художници и скоро има колекция от картини от XIX и началото на XX век. Това не е голяма част от колекцията на Националната галерия, но в нея има малки произведения на много важни художници, особено на импресионистите.

Картината на Рафаело "Мадоната с розовите очила", нарисувана около 1506 г., е една от последните важни картини, закупени от Националната галерия.

Важни картини

Ранен италиански език

• Дучо, Мадона с младенеца, ок. 1300 г., Сиена
• Масачо, Мадона с младенеца, около 1426 г., Флоренция
• Фра Анджелико, Христос в слава, ок. 1435 г., Флоренция

• Учело, Свети Георги и дракон, около 1450 г., Флоренция

Историята на тази картина е християнска легенда за дракон, който е откраднал принцеса. Принцесата омагьосала дракона и го вързала с колана си, но не могла да избяга. Благородният Георги й се притекъл на помощ и убил дракона. В Националната галерия има много картини на свети Георги, защото той е покровител на Англия. Учело се е опитал да покаже перспективата на пейзажа, като е подредил светли и тъмни зони на земята. Диагоналните линии са важни в тази картина. Линията, направена от крилото и крака на дракона, върви в същата посока като копието на Джордж, докато тялото и опашката вървят в обратна посока.

• Пиеро дела Франческа, Кръщението на Христос, ок. 1450 г., Умбрия
• Мантеня, "Агония в градината", 1460 г., Мантуа
• Полауоло, Мъченичеството на Свети Себастиан, 1475 г., Флоренция

• Сандро Ботичели, Марс и Венера, 1480-те години, Флоренция

Историята на тази картина идва от римската митология. Марс, богът на войната, прави любов с Венера, богинята на любовта. Той е толкова уморен, че не знае, че малки фавни си играят с оръжията му. Но един от тях е на път да изстреля силно в ухото му голям снаряд. Посланието на тази картина е, че Любовта може да победи войната. Дизайнът е базиран на голямото W., което прави картината симетрична. Ботичели прави тази картина за спалнята на Джулиано де'Медичи, богат благородник от Флоренция. Той рисува Марс, за да прилича на Джулиано, и Венера, за да прилича на приятелката му, но Джулиано не е имал много време да се наслади на картините си, тъй като е убит само малко по-късно.

• Перуджино, "Мадона с младенеца с ангелите Михаил и Рафаел", 1496 г., Перуджа
• Джовани Белини, Портрет на Леонардо Лоредано, дож на Венеция, 1501 г., Венеция

Ранна северноевропейска живопис

• Неизвестен художник, Диптихът от Уилтън, около 1395 г., Англия или Франция

Диптихът от Уилтън е една от най-ценните картини в Националната галерия, тъй като повечето малки произведения на изкуството от Средновековието в Англия са били унищожени. На тази картина английският крал Ричард II е представен на Дева Мария от тримата си светци покровители. Тя е нарисувана с темпера; цветовете са смесени с яйце. Думата "диптих" означава, че тя е от две части и може да се затвори като книга. Фонът е покрит с тънко побито златно листо. Синьото е изработено от смлян полускъпоценен камък - лазурит. Възможно е да е била нарисувана като сватбен подарък за краля, докато е бил във Франция.

• Ян ван Ейк, Сватбата в Арнолфини, 1434 г., Белгия
• Ханс Мемлинг, Богородица с младенеца със светци и дарители, 1477 г., Брюж
• Роже ван дер Вейден, Пиета, ок. 1460 г., Брюксел
• Йеронимус Бош, "Подигравката с Христос", ок. 1480 г., Bois-le-Duc
• Албрехт Дюрер, "Бащата на художника", 1497 г., Нюрнберг

• Жерар Давид, Богородица с младенеца със светци и дарител, 1505 г., Брюж.

Тази картина е олтарна композиция за църква. Тя изобразява Дева Мария, седнала като кралица на трон с детето Исус. Той е почитан от три жени-светици и от човека, който е платил на художника да направи картината за църквата. Той е наречен "дарител". Всичко на картината е нарисувано с големи подробности - дрехите, плочките, бижутата, сградите и цветята. Много от нещата в картината са символи. Малкото куче е символ на верността. Лилиите са символ на чистотата на Дева Мария. Картината не показва част от история или момент от времето. Картината е нарисувана, за да помогне на зрителя да успокои ума си за молитва.

• Лукас Кранах, Купидон, ужилен от пчела, 1522 г., Ваймер
• Ханс Холбайн, "Посланиците", 1533 г., роден в Аугсбург, починал в Лондон. Вижте по-долу.
• Питер Брьогел Старши, Поклонението на кралете, 1564 г., Брюксел

Италия през 1500 г.

• Леонардо да Винчи, "Девата от скалите", ок. 1506 г., Милано. Вижте по-долу.
• Микеланджело, Погребението на Христос, около 1506 г., Рим. Вижте по-долу.
• Рафаел, Мадоната от Ансидей, ок.1505 г,
• Джорджоне, Поклонението на царете, 1507 г., Венеция

• Тициан, Бакхус и Ариадна, 1523 г., Венеция

Тази картина е от гръцката митология. Принцеса Ариадна е претърпяла корабокрушение на Наксос, острова на Бакхус. Бакхус вижда Ариадна и се влюбва от пръв поглед. Тициан го показва как скача от колесницата си, теглена от гепарди, а Ариадна се обръща, за да избяга. Но Ариадна е погледнала в очите на Бакхус и също се е влюбила. В небето е короната от звезди, която Бакхус ѝ подарява на сватбата им. В много от фигурите Тициан е нарисувал спираловидно движение. То може да се види в червения шал на Ариадна. Въпреки че тази картина е посветена на митологията, фигурите са много реалистични.

• Пармиджано, Мадона с младенеца и Свети Йоан, 1527 г., Парма

• Лоренцо Лото, Дама като Лукреция, 1530 г., Венеция

Този портрет изобразява жена в богата на цветове кадифена рокля, която държи рисунка на Лукреция - знатна жена от Древен Рим, която се самоубива, като се пробожда с нож, след като е била изнасилена. Възможно е картината да е била нарисувана за семейство, което е искало дъщеря му да се омъжи добре. Символиката на картината показва, че младата жена е богата, и второ, че е сексуално чиста. Тези две неща са били важни за сключването на добър брак. Тото е използвал контраст на цветовете в оранжевата и зелената рокля, за да постигне богат ефект. Той също така е използвал необичайно контраста на тоновете. Много светли области като лицето, гърдите и ръката ѝ контролират центъра на картината. Още три много светли зони са разположени в дясната страна - рисунката, ръката и бележката. Това разположение е асиметрично

• Бронзино, Алегория, около 1550 г., Флоренция. Вижте по-долу.
• Тинторето, "Свети Георги и драконът", 60-те години на XV в., Венеция

Италия, Франция и Испания през 1600 г.

• Караваджо, "Вечерята в Емаус", около 1600 г., Рим

Тази картина е базирана на история от Библията. Двама от последователите на Исус вървят по пътя към Емаус и говорят тъжно за смъртта на Исус. Един човек идва и върви с тях, но отначало те не го познават. Същата вечер, когато вечеряли в една гостилница, те изведнъж разбрали, че това е Исус, който е възкръснал от мъртвите и сега е жив. Караваджо е показал този момент във времето като на снимка. Светлината, движението и детайлите правят снимката толкова реална. Караваджо е нарисувал светлината, която идва от едната страна, сякаш има голяма лампа. Главата на кръчмаря създава сянка зад Исус, която е като ореол. Картината е уловила една-единствена секунда, когато Исус е вдигнал ръка, единият мъж започва да се изправя, а другият размахва ръце. Само кръчмарят е неподвижен. Изгледът на ръката на Исус, ръцете на мъжа и лакътя на другия мъж са пресечени. Детайлите показват обикновени хора с обикновени дрехи, които са стари и скъсани. Има и натюрморт на кошницата в края на масата. Осветлението и реализмът на Караваджо са копирани от много други художници, включително Рембранд и Веласкес.

• Ел Греко, Христос изгонва търговците от храма, ок. 1600 г., Толедо
• Annibale Carracci, Quo vadis? , 1602 г., Рим

• Клод Льорен, Отпътуване на Савската царица, 1648 г., Франция и Рим

Този въображаем пейзаж се основава на история от Библията. В тази сцена Савската царица тръгва на пътешествие от Африка към Палестина, за да се срещне с цар Соломон. Но това, което художникът наистина е искал да покаже, е мъгливата утринна светлина на изгрева над морето. Той е нарисувал и три различни вида сгради. Вляво е древна развалина като тези, които художникът е видял в Рим. На заден план са изобразени замък и кула от Средновековието. Вляво кралицата излиза от грандиозен дворец в новия стил на Ренесанса. Нищо в тази картина няма нищо общо с Африка или Палестина. Става дума за Рим. Показвайки Савската царица, Пусен иска да каже, че град Рим с цялата си история от 2000 години е като най-красивата и интелигентна царица, живяла някога. Този вид картини се наричат "алегории".

• Никола Пусен, Вакханалия, 1603 г., Франция и Рим

Тази картина представлява сцена от римската митология. Жените са нимфи, духове на гората. Някои от мъжете са сатири и имат кози рога и копита. Те живеят на Наксос, острова на Бакхус, и прекарват много време в пиянство, танци и любов. В това диво парти дори бебетата пият вино. Една от нимфите се кани да разбие кана с вино върху главата на сатир, който се опитва да целуне приятеля ѝ. Пусен е използвал големи площи с ярки цветове. На пръв поглед картината изглежда като бъркотия от тела, но всичко е много внимателно подредено, за да придаде танцувален ефект на цялата картина. Една голяма триъгълна форма съдържа всички фигури. Извън триъгълника вдясно се намира статуята на Пан. От лявата страна е изобразен красив пейзаж.

• Диего Веласкес, "Венера от Рокеби", 1649 г., Мадрид.

Тази картина е взета от римската митология. На нея Венера, богинята на любовта и красотата, се оглежда в огледало, държано от сина ѝ Купидон. Веласкес прекарва по-голямата част от времето си в рисуване на портрети за испанското кралско семейство и техните роднини. Той е един от най-известните портретисти на всички времена. Но тази картина вероятно е правена за самия него и когато я прави, той се излага на опасност от сериозно наказание. В Испания, въпреки че управлявал кралят, църквата имала контрол. Те наблюдавали всичко, което всеки правел, и накарали много голям брой хора да бъдат умъртвени. В Испания рисуването на голи картини като тази е било против закона. Веласкес е бил много внимателен да покаже само гърба ѝ. Изображението на лицето не е много ясно. Старите огледала не са били толкова ясни, колкото съвременните. Може би Веласкес е искал да прикрие лицето на жената, за да я предпази. Подредбата и оцветяването на тази картина са много прости. Грациозните линии на тялото се повтарят в сивите и белите покривки на леглото. Червената завеса е под същия ъгъл като главата ѝ и е в топъл цвят, както и розовата ѝ плът.

• Мурильо, "Двете Троици", 1681 г., Севиля

Холандия и Фландрия през 1600 г.

• Герит фон Хонторст, Христос пред първосвещеника, 1617 г., Утрехт

• Рембранд, "Пирът на Валтасар", 1630-те години, Лайден

Рембранд е най-известен като художник на портрети, по-специално с многобройните автопортрети, които отразяват живота му от времето, когато е бил тийнейджър, до старостта му. Той рисува и много сцени от Библията като тази. Бащата на принц Валтасар е отвел еврейския народ във Вавилон като роби. Валтасар организирал празненство и изпратил слуги да донесат златните чаши, които били откраднати от храма в Йерусалим. Изведнъж се появила странна ръка, която написала съобщение на стената. Никой не знаел какво означава то, затова Валтасар попитал Даниил, който бил еврейски пророк. Даниил казал: "Ти си претеглен и измерен от Бога. Ти не отговаряш на Божиите правила. Дните ти са преброени!" Тази картина показва колко много са научили холандските художници от Караваджо. Тази картина може да се сравни с "Вечерята в Емаус". Това е още една сцена, изпълнена с драматизъм. Рембранд е поставил две от фигурите под необичаен ъгъл. Тялото на Валтасар е обърнато към зрителя, но главата му е завъртяна, за да види какво се случва зад него. Когато скача от стола си, той удря златната чаша, която държи една от съпругите му. Тя също е под странен ъгъл, защото зрителят гледа надолу към главата и раменете ѝ. Рембранд е направил контраст между богатата текстура на одеждите му и неговото сбръчкано лице и дебел корем.

• Антъни ван Дайк, Чарлз I Английски на кон, 1631 г., Лондон. Вижте по-долу.

• Петер Паул Рубенс, Парижкият съд, 1632 г., Антверпен

Рубенс е толкова популярен художник, че става богат и известен. Той рисува портрети и много сцени от Библията и митологията. Сюжетът на тази картина е от гръцката и римската митология. Парис е принц, който е отгледан от пастир. Той получил златна ябълка и бил помолен да съди конкурс за красота между три богини: Юнона, богинята на семейството, Минерва, богинята на войната, и Венера, богинята на любовта. Всяка от тях предлагала награда: богатство, успех в битката и най-красивата жена на света за негова съпруга. Парис избрал последната и дал ябълката на Венера. Това разгневило двама много влиятелни хора. И това, което той не осъзнавал, било, че най-красивата жена на света, Елена отТроя, вече била омъжена. Рубенс е нарисувал картина, която да украси стената в дома на богат покровител. Картината има много детайли, които помагат да се разкаже историята. Сред тях са малкият Купидон, едно овчарско куче, паунът на Юнона, страшният щит на Минерва и овцете, пасящи в красивия пейзаж. Но най-важните неща в картината са трите красиви голи тела. Именно това е направило картините на Рубен толкова популярни.

• Франц Халс, Семейна група, 40-те години на ХХ век, Антверпен
• Питер дер Хуг, Двор в Делфт, 1658 г., Делфт. Вижте по-долу.
• Йоханес Вермеер, "Млада жена при девойките", ок. 1670 г., Делфт. Вижте по-долу.

• Meyndert Hobbema, The Avenue, 1689, Middelharnis

Пейзажната живопис става много популярна в Холандия през 1600 г. В тази картина перспективата е много важна. В една много плоска страна може да е трудно да се прецени колко далеч са нещата. Хобема е използвал този прав път с две редици високи дървета, за да създаде усещането колко далеч е градът. На пръв поглед тази картина изглежда доста симетрична. Но Хобема е добавил много разлики, за да направи картината по-интересна, като е балансирал фермата от едната страна с църквата от другата и е направил двата реда дървета доста различни.

1700-те години

• Вато, Влюбените, около 1720 г., Франция
• Джамбатиста Питони , Жертвоприношението на Поликсена, 1740 г., Венеция
• Каналето, Басейнът на "Свети Марко" на Възнесение Господне, около 1740 г., Венеция
• Шарден, "Малкият учител", около 1740 г., Париж. Вижте по-долу.
• Уилям Хогарт, "Marriage a la Mode" ("История в шест картини"), 1743 г., Лондон

• Джордж Стъбс, Семейство във файтон, около 1750 г., Англия

През 1700 г. пейзажните картини са популярни в Англия, но те са нещо повече от картини на красивата природа, нарисувани като украса на стаята. Повечето пейзажни картини са били и документи за семейството и земята, която то е притежавало. Те са били знак за богатството и статуса на семейството. На тази картина земевладелците показват своя частен парк с разнообразни дървета. Те показват също така великолепните си коне и елегантната си карета, наречена "фаетон". Заедно тази карета и конете са еквивалентът на много скъп автомобил от XVIII век. Стъбс е най-известен с рисуването на коне. Той е бил майстор в композирането на красиви картини. Тук той е създал баланс между голямата модна шапка на дамата, поставена на фона на тъмното дърво, и черните коне на фона на бледото небе.

• Тиеполо, "Алегория на любовта и времето", 1754 г., Италия
• Джошуа Рейнолдс, Сър Банастър Тарлтън, 1782 г., Лондон
• Томас Гейнсбъро, "Сутрешна разходка", 1786 г., Лондон
• Гоя, Херцогът на Уелингтън, 1812 г., Испания и Франция

От 1800 г. нататък

• Търнър, "Темида", 1838 г., Лондон

Това е тъжна картина. Пълното ѝ име е "Бойният Темерер", изтеглен до последното си място за акостиране, за да бъде разглобен за скрап. Това е последното пътуване на един от великите бойни кораби, който се е сражавал за Англия срещу френския флот в битката при Трафалгар. Високата му елегантна форма контрастира с мръсния черен влекач с димяща фуния, който го отвлича. Търнър, който е бил експерт в рисуването на морето, небето и времето, е поставил луната в небето близо до ветрохода. Луната е в последната си фаза. От другата страна на картината слънцето изгрява с червено сияние като огън върху водата. Намаляващата луна е символ на отминаването на епохата на големите ветроходни кораби. Пламтящото слънце върху водата е символ на новата ера на парната машина.

• Констабъл, Сенокосът, 1821 г., Съфолк
• Ингрес, Мадам Моатие, 1856 г., Париж
• Курбе, "Жени на брега на Сена", 1857 г., Франция

• Анри Фантин-Латур, Ябълки в чиния, 1861 г., Франция

Тази картина е натюрморт. През Ренесанса дърворезбите на натюрморти често са били част от дървената украса на важни стаи в двореца. През 1600 и 1700 г. картините с натюрморти също се разпространяват и най-често се виждат в трапезарията, където плодовете, цветята и убитите за месо животни са модна украса. През XIX в. много художници като Фантин-Латур рисуват малки натюрморти като този, за да упражняват уменията си да аранжират картина, да изучават светлината и текстурата. Много художници рисували натюрморти и защото били твърде бедни, за да платят за модел на художник, или пък времето било твърде лошо, за да рисуват пейзажи. Фантин-Латур е направил голям брой малки картини като тази. Той е подредил четири ябълки с различни цветове и форми и е направил проучване на начина, по който светлината се отразява на извитите им повърхности.

• Мане, "Сервитьорката", 1879 г., Париж
• Клод Моне, Парламентът, Лондон, френски художник. Вижте по-долу.
• Реноар, Чадърите, около 1880 г., Франция

• Серо, "Къпещите се в Аниер", 1884 г., Франция

Сеура е приятел на френските художници импресионисти. Той е имал теория, че всички цветове се състоят от много цветове, които се подреждат при преминаването на светлината в окото. Той експериментира с цветовете, като рисува на малки точки. Неговият стил на рисуване се нарича поантилизъм. Изработката на тази голяма картина отнема много време. Въпреки че е сцена на открито с много фигури, тя е много спокойна, сякаш времето е спряло. Когато картината се разгледа отблизо, се вижда, че дори частите, които изглеждат бели или черни, са съставени от стотици малки цветни точки.

• ЕдгарДега, Разресване на косата, около 1885 г., Париж
• Сезан, Планини в Прованс, 1890 г., Прованс

• Винсент ван Гог, Пейзаж с кипарисов бор, около 1890 г., Франция

Винсент ван Гог има труден и неспокоен живот. Той е роден в Холандия, но започва да рисува във Франция. Имал много малко приятели и трудно продавал картините си. За щастие имал подкрепата на брат си Тео и на един лекар, за когото рисувал картини. Този пейзаж е добър пример за неговия стил. В картината всичко изглежда като че ли има свой собствен живот. Облаците са като огромни зверове, които се търкалят по небето, вълнуващото се жито се протяга като ръце, планините гърмят, а кипарисовият бор изглежда доста опасен. Винсент използва всеки ход на четката, за да създаде това пламенно движение. Друго важно нещо в тази картина е контрастът. Цветовете се сменят от топъл червеникаво-оранжев до ледено-син. Голямото тъмно дърво вдясно е в тонален контраст с белите облаци. Вертикалната посока на дървото е в контраст с хоризонталната посока на пейзажа. През 1890 г. Винсент се самоубива, след като е нарисувал стотици картини само за пет години.

• Анри Тулуз-Лотрек, "Жена в градината", 1891 г., Франция
• Дуание Русо, Тигър, уплашен от буря, 1891 г., Париж
• Густав Климт, Портрет на Хермина Галия, 1904 г., Виена

Uccello


Ботичели


Диптихът на Уилтън


Жерар Давид


Тициан


Лоренцо Лото


Караваджо


Lorrain


Пусен


Веласкес


Рембранд


Рубенс


Hobbema


Stubbs


Търнър


Fantin-Latour


Сеура


Ван Гог

Галерия

Свързани страници

• Uffizi
• Лувър
• Ермитаж